„Das Konzept des Albums besteht darin, dass ich ein Gespräch mit meiner Mutter führe und wir uns einfach nur unterhalten“, sagt GIVĒON gegenüber Apple Music über sein Debütalbum „Give Or Take“. Die Stimme seiner Mutter ist das Erste, was wir hören, wenn sie dem Sänger sagt, wie stolz sie auf ihn ist. Darauf folgt der Trennungs-Jam „Let Me Go“, in dem er im Hook erklärt: „Entscheide, ob ich deine Zeit wert bin/Lass es mich wissen oder lass mich gehen.“ Dann schließt seine Mama den Song mit einer weisen Erinnerung ab: „Menschen machen Fehler/Menschen sind nicht immer einer Meinung/Behalte das im Hinterkopf.“

„Give Or Take“ entfaltet sich wie Seiten eines Tagebuchs und schildert die romantischen Eskapaden eines jungen Mannes in seinen 20‑ern, der die Liebe liebt, aber nicht immer bereit ist, sie auch festzuhalten. Zwischen einem umherschweifenden Blick, schlechtem Timing und dem Wunsch nach Heilung – der immer etwas mit einer inneren Schwäche kollidiert – gibt es hier konzeptionell ein bisschen von allem. Die Songs sind Erlebnisse, die GIVĒON seiner Mutter erzählt, auf der Suche nach Rat oder vielleicht sogar nach Absolution. „Deshalb fühlen sich die Geschichten wie eine Achterbahnfahrt an und nicht wie eine einzige glatte Geschichte – weil es eben eher sporadisch lief“, erklärt er. „Ich wollte den Leuten wirklich einen Blick hinter die Kulissen eines 26-Jährigen geben, der erwachsen wird.“

GIVĒONs wundervolle Stimme wird von einer Mischung aus Schärfe und Seele getragen, die jeden Text mit emotionaler Resonanz durchtränkt. Die Produktion trägt durchgängig weiter zur Stimmung bei und erlaubt dabei seinem Gesang, im Mittelpunkt zu stehen. Im Ergebnis gehören diese Songs zu seinen reifsten – und fühlen sich auch so an, selbst wenn er in sich selbst nach romantischer Reife sucht. „Ich wollte einfach sicherstellen, dass ich ehrlich und verletzlich bin und dass alles auf einem hohen Niveau ist“, sagt er und fügt hinzu, dass sich seine Herangehensweise kaum verändert hat. „Ich habe meine anderen Sachen 2019-2020 gemacht und wusste natürlich, dass ich mich im Laufe der Zeit als Künstler weiterentwickelt habe. Darüber hab ich mir also nicht wirklich Sorgen gemacht.“ Am Ende des Ganzen ist Mama zu Tränen gerührt – allerdings von der glücklichen Sorte. Im Folgenden erzählt GIVĒON von den Ideen und der Inspiration, die hinter jedem der Songs stecken.

„Let Me Go“
Ich finde es immer sehr wichtig, mit einem Hook zu beginnen – etwas Schwerem, einem Schlagzeug, einfach etwas Rhythmischem. Die Geschichte dieses Songs ist schlicht: Entweder werden wir zu etwas oder zu gar nichts – und letztendlich wurde nichts daraus. Es ist also wirklich das Ende von allem, was vorher war. Dieser Song war ein Abschluss.

„Scarred“
Bei „Scarred“ geht es darum, dass man sich gerade vom Liebeskummer erholt und viel zu schnell jemandem begegnet und dann sagt: „Was wir hier haben, finde ich klasse, aber es wird nicht funktionieren, weil die Trennung noch so frisch ist. Und weil ich noch Probleme habe, die gelöst werden müssen. Aber egoistisch gesehen könnten wir immer noch all das machen, was wir machen.“ Denn manchmal fühlt es sich einfacher an, beim Heilungsprozess mit jemandem zusammen zu sein, als nur auf eine Wand zu starren.

„dec 11th“
Hier bereite ich den nächsten Song vor, „This Will Do“. Es ist wirklich nur eine Botschaft oder ein Signal für eine Verbindung, die ich auf der Bühne gemacht habe. Und im nächsten Song geht es darum, wie flüchtig diese Verbindungen sind, weil es eben nur die Bühne ist und nicht die Realität. Am 11. Dezember hatte ich eine ausverkaufte Show in Houston, und ja, es ist das Datum dieser Show.

„This Will Do“
Manchmal haben Produktionen ihre Strukturen, aber ich habe das Gefühl, dass wir Künstler:innen oft spüren, was sich besser anfühlt, weil wir wissen, worüber wir singen müssen. Uns ist intuitiv bewusst, wann wir es atmen lassen müssen. Und ich liebe es, einen Raum zu kreieren, in dem es einfach besser fließen kann. „This Will Do“ ist der Anfang der Geschichte, in der ich sage, dass ich zum ersten Mal bei einem Projekt Single bin. Und eines der Probleme, auf die ich als Single stoße, ist, dass ich mir nicht ganz sicher bin, was Wahrheit und was Schwindel ist. In diesem Song erkenne ich beide Möglichkeiten und nehme sie an, indem ich sage, dass es unecht sein könnte, ja, dass es aber reichen wird.

„Get To You“
„Get To You“ soll sich anstrengend anfühlen. Du hast all diese Möglichkeiten und dann, plötzlich, fühlt es sich leer an. Das Junggesellen-Singledasein fühlt sich nicht mehr richtig an, aber es ist auch eine Botschaft an jemanden, indem man sagt: „Tut mir leid, dass ich damit so langsam bin, aber ich musste es auf meine Art tun.“

„Tryna Be“
„Tryna Be“ ist schlichtweg wie: „Hör zu, ich versuche, alles zu sein, was ich sein sollte, und sogar, was ich sein möchte, aber …“ Dabei geht es auch um Distanz und den Versuch, seine beste Version zu sein, selbst wenn man weiß, dass niemand zuschaut. Es geht um die Einstellung, sich jemandem zu öffnen und schlichtweg ehrlich zu sein, auch wenn es den anderen nicht interessiert – was eine sehr reale Erfahrung ist. Man sagt jemandem: „Hör mal, ich habe dies und das und das“, und als Antwort kommt: „Weißt du was? Das ist mir wirklich egal.“ Es zeigt, wie toxisch die heutige Zeit ist. Nicht, dass das ein neues Konzept wäre, aber es ist einfach – ich weiß nicht, es ist verrückt da draußen.

„Make You Mine“
Das alles ist immer noch Teil einer Reise, es sind also nur Kontrollpunkte, die ich durchlaufen habe. Sobald ich bei „Make You Mine“ ankomme, fange ich an, wieder in die Romantik zurückzufallen. Es ist ein seltener Moment, in dem ich sinnlicher, einfach leicht und verträumt bin. Ich habe nur ein paar Songs, in denen diese Seite von mir sichtbar wird – „WORLD WE CREATED“ und „Garden Kisses“ – und „Make You Mine“ ist einer davon.

„July 16th“
Der Song ist mehr oder weniger nur ein Zeitstrahl. Am Ende von „Make You Mine“ gibt es einen Übergang, bei dem ein Gespräch geführt wird. Das bin ich und sage: „Ich weiß, ich bin zu schnell. Ich kann es einfach nicht ändern. So bin ich nun mal.“ Und „July 16th“ ist eigentlich nur die Botschaft: „Ich bewege mich wieder zu schnell und versuche, es nicht zu tun, tue es aber trotzdem.“

„For Tonight“
Ich habe versucht, einen Song zu schreiben, der sich widersprüchlich anfühlt. Der Sound ist romantisch und es wirkt wie ein Liebeslied. Aber wenn man an der Oberfläche kratzt, tiefer blickt, zuhört und den Text liest, kann man die Wahrheit erkennen und das Tabu, über das ich spreche. Denn genau das ist es manchmal, was Beziehungen und das Leben ausmacht: Nach außen hin sieht alles gut aus und fühlt sich auch so an, aber wenn man es dann unter die Lupe nimmt, sieht man die Risse.

„Lost Me“
„Lost Me“ ist … Ich bin immer in irgendetwas drin. Ich bin immer romantisch involviert, aber dieses Mal versuche ich, Zeit für mich selbst zu nehmen und mich nicht darüber zu ärgern oder deshalb melancholisch zu sein. Es ist mehr wie ein Achselzucken, ganz ehrlich. „Lass mich so, wie ich bin, und gib mir nicht das Gefühl, dass irgendetwas daran falsch ist.“ Deshalb ist so viel Rhythmus im Klang. Es ist ein rhythmusorientierter Track. Es gibt Drums und luftig-leichte akustische Gitarren, die im ganzen Song hörbar sind. Damit habe ich mich entspannt.

„Lie Again“
„Lie Again“ ist eigentlich fast selbsterklärend. Es geht darum, Informationen zu suchen, diese Informationen zu bekommen und sich dann zu wünschen, sie nie erhalten zu haben.

„Another Heartbreak“
[Klavierballaden sind] eine meiner Lieblingsformen und ‑strukturen, die ich so sehr mag, dass ich versucht habe, sie auf diesem Album auf eine einzige zu beschränken. Ich kann den ganzen Tag Piano-Balladen machen. Aber für „Another Heartbreak“ wollte ich etwas, das sich zurücknimmt und gleichzeitig filmisch wirkt. Also gibt es im ganzen Song Tonart- und Akkordwechsel, wobei ein sich steigerndes Element bleibt – es gibt Chorgesang, es gibt Streicher. Der Song ist so einfach wie die Aussage: „Mein Herz hält nur noch eine Trennung aus, das hier muss also funktionieren, oder das war’s.“ Ich sage schlichtweg, dass ich den Schmerz nicht noch einmal aushalten kann.

„At Least We Tried“
Ich wollte sicherstellen, dass auch richtig gute Momente dabei sind. Denn es ist einfach, diese Geschichten von Herzschmerz und Melancholie zu erzählen, aber es ist wichtig, sie mit Sachen wie „At Least We Tried“ auszugleichen – ich denke, das macht es wirklich zu einem Album. Denn es könnte auch weiter diese Achterbahn fahren.

„Remind Me“
Das ist einer meiner Lieblingssongs auf dem Album, weil er so introspektiv ist. Es ist so, als ob du jemanden ansiehst und die Person dich an dein altes Ich erinnert, als du noch nicht so aufmerksam, fürsorglich und einfühlsam warst. Und nun bist du sozusagen dir selbst über den Weg gelaufen. Das ist einfach Karma.

„Unholy Matrimony“
„Unholy Matrimony“ ist so herzzerreißend und dabei einfach herrlich real. So läuft es eben. Und die Geschichte ist so unglaublich visuell. Man kann das weiße Kleid sehen, man kann den Smoking sehen, man kann sehen, wie sich alles in dem Song abspielt. Und die Konversationen mit meiner Mutter, die sich durch das ganze Album ziehen, sind echte, fließende Gespräche, die wir geführt haben. Es hat sich alles perfekt zusammengefügt.